domingo, 2 de diciembre de 2012

Cuentos surrealistas para mujeres reales

Intérpretes: Gala García-Cuerva, Gema Zancada y Nani Rodríguez.
Autor y director: Antonio Zancada.
Música: Juan Manuel Latorre (Miembro de Vetusta Morla).
Iluminación: Martín Egeido.
Estilismo: Raquel Rodríguez.
Espacio sonoro: José Bornás.
Ayudante producción: Arancha Fernández.
Técnico en sala: David de Diego.
Ayudante de estilismo: Roldan González González.
Colabora: Fitnessromo.
Hora: 22:30h 
Días: Del 30 de noviembre al 26 de enero, viernes y sábados 
Precio: 14€ 


Sinopsis:


Tres mujeres se meten en la piel de 24 contando los hechos, surrealistas o no, que marcaron su existencia. Nada es como parece, mujeres que se comportan como se espera, mujeres inesperadas, mujeres que piensan como hombres, hombres que no importan, mujeres que se dan importancia, prejuicios que se vencen, se tocan y se recolocan, locas que se vuelven cuerdas y cuerdas que  enloquecen. Personas que, independientemente de su género, hablan como personas y sobre personas, el amor y una tal Marciana de Plutón.




Crítica:

El espacio de la sala Triángulo es cómodo y cercano. No hay un escenario alzado, sino que se mira desde unas butacas, estilo cine. El teatro es cine en 3-D, asique es un lugar idóneo.
“Cuentos surrealistas para mujeres reales” es un canto a la igualdad, que se sentencia con una frase de Gema Zancada, que en el primer sketch es Eva, (la de Adán y Eva): “Nací mujer y no me siento especial”. El adjetivo de surrealistas les viene al pelo porque realmente te sientes descolocado, como espectador. En primer lugar, por los rápidos cambios de escena (3 mujeres interpretan a 24, imagínense) y, en segundo lugar, por lo irreal, estrambótico, excéntrico, raro y surrealista que puede llegar a ser cada sketch (desde vender niños, tener relaciones íntimas con electrodomésticos, miss universos que no quieren la paz mundial o abuelas que planean robar bancos mientras juegan al cinquillo).
Esta obra es una oda a la mujer con sus defectos y sus virtudes donde destaca, sobretodo, la música que nos lleva de una escena a otra grácilmente y la voz en off que nos introduce en cada historia. Sin apenas darnos cuenta, hemos cambiado de sketch. Hay interacción con el público, que hace que todo sea más cercano. Y, destacar también, los rápidos cambios de ropa, algo que, imagino habrá que agradecer a las personas encargadas de estilismo y vestuario. Debido a estos fugaces interludios, las actrices no pueden concentrarse al 100%, de manera que no eran muy distintos unos personajes de otros.
En definitiva, es una obra recomendable para pasar un buen rato y echar unas risas. Eso sí, si te consideras misógino…ni te acerques.

Por: María Inmaculada Mota Rodríguez.


Si tu ya la has visto o quieres verla déjanos tu comentario. En Butaca Par nos interesa tu opinión.

sábado, 1 de diciembre de 2012

Momo Cortés Agustico Getafe



Tercera jornada en Agustico Getafe. La tarde noche del viernes 30 de Noviembre estaba reservada para Zahara. Pero primero, tenía turno, en esta ocasión, Momo Cortés que actuaba de telonero.
Momo, puede ser de primeras alguien no muy conocido para el gran público, pero puede presumir entre otras cosas de que prácticamente todos cantásemos una de las populares melodías que utilizo Coca-Cola en uno de sus spots, y es qué Momo ponía voz en “Veo una vida nueva…”.

No obstante seguro que los más aficionados al teatro y los musicales le situaréis mejor si os digo que estuvo en el musical “Queen We Will Rock You” o que el erá Woof, en el musical “HAIR”. 
Momo nos ofreció un ramillete de sus canciones, en las que en todo momento sacaba a relucir la potencia de su voz, y sus cualidades para cantar.

Su repertorio fue adaptado para la ocasión, por ser un teatro, aseguraba el artista. Así de esta manera, el enérgico Momo, que no para quieto en la sala Tarambana, que es uno de los escenarios donde suele actuar, se tuvo que conformar solo con mover su cabeza al ritmo que marcaba su música. Abrió con "Perdí mi oportunidad" y continuo con temas como "Otra mierda de canción de amor", "No" o "Gritaré tu nombre", canción que da titulo a su disco. Estos temas  fueron algunos de los elegidos para conquistar al mayoritariamente público “Zaharista” que ocupaba el Teatro Federico García Lorca y al que termino de cautivar con la versión de "Too much love will kill you" de Queen, y que titula "Tanto amor no es bueno". 

Sin duda un torrente de voz al que merece la pena no perder la vista, pues si tiene la mitad de suerte que de talento, dará mucho que hablar. 


jueves, 29 de noviembre de 2012

Sin paga, nadie paga

Reparto: María Isasi, Leire Ruiz, Pablo Carbonell, Carlos Heredia, Israel Frías.
Dirección: Gabriel Olivares.
Autor: Dario Fo / Versión: Carla Mateinni.
Ayudante de dirección: Beatriz Santana.
Diseño de escenografía y vestuario: Felype de Lima.
Diseño iluminación: Juanjo Llorens.
Música Original: Tuti Fernández.
Dirección técnica: David González.
Diseño gráfico y multimedia: Diego Martín y J. Franco.
Fotografía: Jean Pierre Ledos.
Producción: Alicia Álvarez y Carlos J. Larrañaga.
Maquinista: Alfonso Jiménez.
Técnico luces y sonido: Ricardo Portes.
Distribución: Salbi Senante.
Prensa: Angel Galán Comunicación.
Construcción escenografía: MAMBO Decorados.

Fechas y Horarios: Miércoles y Jueves: 20:30 h., Viernes y Sábados: 19 y 21:30 h., Domingos 19:00 horas.
Teatro Infanta Isabel. Smedia

Sinopsis:

SIN PAGA, NADIE PAGA es una de las sátiras sociales más divertidas de la historia del teatro mundial. Escrita por el Premio Nobel de Literatura Darío Fo en la década de los 70 ha sido revisada y adaptada a la época actual por el propio autor y su mujer, Franca Ramé. Con apenas algunos pocos cambios, está más viva que nunca. 

Resulta impactante ver como se repite la historia, siempre con los mismos verdugos y siempre con las mismas víctimas. La obra fue premonitoria, y quizás un poco impulsora, de un hecho acaecido en un supermercado de Milán. Todo comienza con un alza incontrolable de precios en los productos más básicos. ¿Les suena de algo? Un grupo de gente decide que ya no puede tener aquello que necesitan para vivir y consideran que la mejor opción es entrar en un supermercado y llevárselo sin pagar. El paro y la crisis económica son los detonantes de una serie de movilizaciones que enfrentan a la ciudadanía con los políticos y los grandes empresarios. Los primeros exigen tranquilidad y confianza en lo que están haciendo para sacar el país adelante. Y para ello cuentan con la inestimable ayuda de las fuerzas de seguridad, obligados a cumplir sus órdenes. Los segundos exigen reformas que sean beneficiosas para sus empresas a costa de empeorar la situación de sus trabajadores. Y para ello cuentan con la inestimable ayuda de los políticos, encantados de cumplir sus órdenes. ¿Les suena también, verdad? Lo cierto es que el genio Fo ha tenido que trabajar bastante poco para mantener la actualidad de la obra. A partir de este comienzo se suceden una serie de situaciones que convierte el drama social en una comedia delirante: el paro, los abusos, la falta de protección social, los desahucios. Todo desde la mirada más conmovedoramente divertida de esas víctimas que, a lo largo de la historia, siempre han sido las mismas. Pensamos que es una buena reflexión para comprender la situación actual. Para confiar en que tarde o temprano pasará sin que nadie sepa por qué (aunque crean que sí). Y, sobre todo, para saber que algunos años después volverá a ocurrir. Y será por lo mismo: por la ambición desmedida de unos cuantos, siempre apoyada por la clase política de turno. Sea la que sea.No hemos querido dejar de representar esta obra. Que nadie nos impida reírnos de nuestras propias miserias y de aquellos que las provocan. Qué mejor homenaje podíamos hacer al público y a la cultura (o a lo que han dejado de ella). Era demasiado tentador no mostrar de nuevo la maldad del poder y la ingenuidad del ciudadano vista por uno de los mejores escritores de la historia de la literatura mundial. Aunque sea lo último que hagamos. 

¡Va por ustedes, querido público! Disfrútenlo. De verdad es muy bueno, actual, divertido y entrañable...para aquellos que aún podemos contarlo.
Ah, y bastante clarificador.


Crítica:


Visionaria, realista y actual así es la obra que después de ser escrita hace cuarenta años se convierte en fiel reflejo de la situación actual. Incluso la revisión de la obra fue realizada antes de que comenzaran a darse los primeros asaltos a supermercados que tanta repercusión han tenido. 

La obra, lejos de ser una comedia sin más, es una gran crítica y denuncia a la situación que tenemos actualmente en el país. Lamentablemente y como suele suceder, la realidad supera a la ficción y esta obra va a la par con la actualidad social, política y económica. Tanto es así qué los propios productores aclaran qué el montaje de la obra se estaba preparando antes de lo sucedido en aquellos supermercados, en los que miembros del Sindicato Andaluz de Trabajadores, liderados por Sánchez Gordillo, dijeron que se llevaban la compra sin pagar para la gente que no podía pagarla.

Los personajes, reflejan a la perfección los estereotipos que representan. Amas de casa que no tienen ni para comprar comida, menos aún para pagar luz, agua, hipoteca, alquiler... Trabajadores que se quedan en paro, fuerzas del orden que actúan bien amaestrados y policías revolucionarios que están cansados de tener que actuar contra el pueblo y no contra quienes les oprimen. En definitiva, el despertar ante el abuso de las instituciones.

Pablo Carbonell, que representa a Juan, un hombre de principios, trabajador, recto está pletórico, divertido y ácido en sus intervenciones cargadas de crítica. Es un hombre que prefiere pasar hambre antes de robar y que sí se enterara de que su mujer roba comida como las otras vecinas, le haría tragarse la lata, con lata y todo. 
Su mujer es María Isasi (Antonia) que es quien comienza el enredo tras llegar a casa con la compra que no ha pagado del supermercado tras el motín que han orquestado entre todas las vecinas.
En esta se encuentra con Leire Ruiz (Margarita), su joven y poco avispada vecina. Ambas son geniales y son las que crean todo el enredo, al meterse la comida bajo la ropa y fingir un embarazo.
Israel Frías (Luis), es el joven marido de Margarita, es un joven recién casado que trabaja en la fábrica con Juan. Revolucionario macarra y muy burro, es el compañero ideal para Carbonell y juntos protagonizan muchas de las grandes escenas cómicas que está obra nos ofrece.
Finalmente tenemos al todoterreno Carlos Heredia, suyos son los otros cuatro personajes que aparecen en la función, el policía nacional, el sargento de la guardia civil, el padre de Juan y el enterrador. Circunstancia, ésta de interpretar varios papeles, que aprovechan en cada intervención, tanto Carbonell como Frías, para recordad lo que se parecen los personajes físicamente.

Sin duda una función que caricaturiza nuestra realidad actual en la que haciendo uso de uno de los mayores talentos del español, no dejareis de reíros de vosotros mismos, pues de una u otra manera todos estamos reflejados en la obra de Fo.


miércoles, 28 de noviembre de 2012

Los Niños Mutantes, Agustico Getafe.


Futuro prometedor para Agustico en Getafe, un concepto cada vez más utilizado por los artistas. 

Ante la proliferación de conciertos y festivales y la gran salud de que gozan estos en la actualidad, Agustico a decidido dar una vuelta más de rosca, en este caso nos trae un festival en cuatro días no consecutivos y que traerá a grandes artistas del panorama indie naciona e internacional.
Solo hace falta ver como la formula empleada por el Teatro Circo Price y el buen acogimiento que tienen los conciertos allí para saber que Agustico, que en su primera edición se está desarrollando en el Teatro Ferderíco García Lorca de Getafe, será con el tiempo, un referente.





Comenzaba la noche con Vienna in Love, banda británica de Rock/Dance que nació en 2011 y que tiene influencias de New Order, The Cure, Joy Division, Placebo, Depeche Mode, The Killers y Kent.













Agradecido el cantante, Victor Cobbs, de estar en "casa" pues el es español, saludaba a todos los asistentes y nos avisaba que habían preparado unas versiones más acordes con el escenario y menos cañeras que las que normalmente realizan. Seis canciones que dejaron muy buen sabor de boca y que se hicieron cortas, pues este grupo tiene un futuro muy prometedor no solo en Serbia y Reino Unido sino también en el panorama Rock Indie nacional.

Aunque hay que reconocer que prácticamente la totalidad de los asistentes habían acudido a ver a Los Niños Mutantes, eran cabeza de cartel los reyes de la noche y se marcaron un concierto de casi dos horas para no olvidar, magnífico.

Entraba al escenario Juan Alberto, entre aplausos, y debió ser eso de saber que iban a ser los reyes, que le dio por emular las cada vez más repetidas entradas que tiene el Rey de España Don Juan Carlos en sus apariciones. Un cable mal puesto, un no se qué, el caso es que la entrada lejos de estar cargada de glamour fue de lo más indie posible, pocos entran de esa manera. Pues eso que "música que anuncia la caída del imperio" y en este caso la de la voz de Los Niños Mutantes.




 Juan Alberto solo sobre el escenario, abrió con Florecer, en una versión acústica muy especial, intima, dedicada, que la hacía sentir solo nuestra y que sonó de maravilla. 
Buenas vibraciones en los primeros compases, era el presagio de que íbamos a vivir una noche mágica en su compañía. Después turno para Las horas perdidas, en esta se incorporaba Andrés, los dos tocaron juntos  Sapos y culebras y con Isabelita, entró en escena el resto del grupo. Las canciones se sucedían una tras otra,  Formentera  y chupito para Andrés, que comenzaba a calentarse, después vinieron En el infierno, Las Chicas en bikini,
el concierto se animaba y los mutantes daban envidia a los asistentes mientras refrescaban sus gaznates con sus “refrigerios”. Ellos se animaban y nosotros también, con Hundir la flota ya estábamos incómodos en la butaca, y Los Niños más aun, pues habían venido a poner el teatro patas arriba, a levantar al publico que se encontraba anquilosado por estar en un teatro y no en una sala de conciertos. Los mutantes están acostumbrados a tocar en salas y festivales donde su música es una fiesta, pero esto no es el SOS ni el Arenal Sound, es otro formato, es algo intimo para sentirlo, pero sin pasarse de pureta.

Juan Alberto, hace una parada para presentarnos “una canción de amor verdadero, del que no se compra ni se vende”  y nos deleitaban con Querer por querer. Después,  volverás, Las noches de insomnio, con la que el público ya no podía resistirse y  con Caerán los bancos, lo que cayó fue la vergüenza de los asistentes a soltarse y cantar con el grupo.
Empezar de cero, La costilla, en un avión, No puedo más contigo,. Y nueva introducción esta vez, “Dedicada a estos tiempos y a la gente que lo está pasando mal”  y no regalaron Dame tu mano. Para poder de esta manera acompañarles en el viaje musical que estábamos viviendo, luego vinierón Náufragos, Errante, y en esté momento fué en el que un animado Juan Alberto comento entre dientes…”si no os levantáis ya con esta” Pero la gente seguía cortada. Tuvo que levantarse de la batería y tomar el micro Nani Castañeda para poner orden en la sala, como si fuera un juez, armado con baquetas en lugar de un mazo dijo que todos en pie, que quedaban dos canciones y que nos querían ver con ellos. Y comenzó un nuevo concierto, todos los asistentes acudimos en masa a los pies del escenario y comenzamos a cantar y bailar las canciones que quedaban. Lastima que costase tanto, que la gente tardara en darles lo que pedían a gritos desde el escenario. Al final lo lograron y el concierto fue una fiesta. Tal es así que tras Quiéreme como soy, y la versión de Franco Battiato de Summer on a solitary beach, se retiraron como habían anunciado. Pero quedaba aun más, una vuelta al escenario a grito de “¡Otra! ¡otra!. El público se había animado y ahora no querían que se fueran. Así que salieron los mutantes, que habían logrado que el Federíco García Lorca de Getafe mutase de sobrio teatro, a sala de conciertos. Y continuaron la fiesta con su ya clásica versión de Nadie te quiere ya de los Brincos y el Como yo te amo de Raphael entre otras canciones para finalizar, esta vez  sí y por todo lo alto, con el tema La voz.



En definitiva gran concierto de Los Niños Mutantes y gran noche la que vivimos gracias a Agustico.
Larga vida a este festival y a esta gira de conciertos en el Federíco García Lorca de Getafe.

lunes, 26 de noviembre de 2012

Wilt, el crimen de la muñeca hinchable.


Cartel de Wilt
Elenco: Fernando Guillén Cuervo, Ángel de Andrés, Ana Milán, Koldo Losada, Aitziber Garmendia.
Dirección: Garbi Losada.
Adaptación: José Antonio Vitoria y Garbi Losada.
Productores: Carlos Sobera, Jorge Sánchez Gallo y José Antonio Vitora.
Diseño iluminación: Xabi Lozano.
Música original: Javier Asín.
Diseño escenografía: Marcos Tomás.
Vestuario y atrezzo: La gallina ciega.
Audiovisuales: Raul Lopez y Gorka Renderboy.
Realización vestuario: Titti Thusberg.
Realización escenografía: Eskenitek - Barritu.
Realización mobiliario: Alex Lopez.
Espacio sonoro: Asinsound.
Fotografía: Esti Veintemillas, Xabier Villaverde y Beatriz Carrera.
Ángel de Andres y Fernando Guillen Cuervo en Wilt
    Equipo técnico: Limbo Escena.
    Ayudante de dirección: Mahor Galilea.
    Ayudante de producción: Leyre Oriz.
    Auxiliar producción: Hedving Somogy.
    Producción ejecutiva: José Antonio Vitoria.
  


Sinopsis:
Wilt, uno de los libros más salvajemente cómicos del siglo XX, juega con el estereotipo de la corrección y la cultura, ridiculizándolo. 
Se trata de una comedia que entrelaza elementos tan dispares como un profesor de literatura, su esposa desaparecida, una muñeca hinchable enterrada en hormigón, una delirante investigación policial y muchas otras situaciones surrealistas en una historia trepidante y divertida. 
Fernando Guillen Cuervo en WiltSharpe, con su prosa ligera, carga sarcásticamente contra todo. Se ríe de todos y de todo, nada escapa a su visión irónica: el matrimonio, la educación, los ricos, los pobres, los estudiantes, los profesores, la policía, las amas de casa, el consumismo, las modas, las personas de derechas, las de izquierdas, las personas sin ideología, la comida para perros, el detergente para el inodoro... Sharpe parte de unos personajes comunes, retorciendo la realidad y mostrándonos una sociedad neurótica, perdida y, curiosamente, muy muy parecida a la nuestra.
Nuestra intención es ser capaces de captar un público amplio, diverso, que quiera divertirse en el teatro. Y de paso reflexionar sobre la dudosa moraleja que Sharpe desliza en su obra: “Miente para que te crean”. A veces es la única manera. 
 Garbi Losada


Crítica:

El sábado tuvimos la suerte de poder ver en el Teatro Bellas Artes de Madrid, “Wilt, el crimen de la muñeca hinchable”. Está desde el 18 de Octubre en escena y por el momento hay confirmadas interpretaciones hasta el 6 de enero. 



Actores de Wilt
Se trata de una adaptación del libro de Wilt, escrito por Tom Sharpe en 1976. 


Wilt es un profesor frustrado y está casado por decirlo de manera suave con una mujer difícil, tras una serie de despropósitos se ve envuelto en una acusación de asesinato. El asesinato de su propia mujer. Pero Eva su mujer, como en la canción de Guillermo González Arenas que popularizo Peret a ritmo de rumba, no estaba muerta estaba de parranda. En este caso en un barco con unos amigos franceses. 

Wilt es una de esas comedias en las que sabes que cada intervención va a estar cargada de humor, el rebosante patio de butacas no ceso de disfrutar durante toda la representación. Representación que se lleva a cabo sobre un escenario, simple, bastan un par de bancos y unas pantallas gigantes para proyectar sobre ellas como un comic al más puro estilo pop art de Roy Lichtenstein, los diferentes ubicaciones donde sucede la historia. 

El elenco es soberbio, los cinco están perfectos, divertidos ingeniosos y transmiten a la perfección las personalidades de los personajes a los que dan vida en esta disparatada historia. 

Ángel de Andres y Fernando Guillen Cuervo en WiltFernando Guillen Cuervo interpreta de manera magistral al protagonista Wilt, y el papel parece estar escrito para él. El veterano Ángel de Andrés se encarga de dar vida al inspector Flint, y la verdad que el personaje recuerda a su televisivo Manolo de manos a la obra, pues cada vez que parece dar un paso adelante en la investigación no hace sino liar y complicar más las cosas, es un autentico “ñapas” de la investigación criminal. Lo de Ana Milán merece un aparte, bien es cierto que me encanta como actriz, pero una vez más parece que Sharpe se hubiera imaginado a la actriz Alicantina (tenía tres años cuando se publicó la novela) para crear el personaje de Eva, que le sienta como un guante. Además también interpreta a la psicóloga que analizará a Wilt. Da gusto ver llenar el escenario con su energía, ella es eléctrica y se mete el publico en el bolsillo desde el inicio, ¡grande Ana!

Menos conocidos para el público de Madrid encontramos a Koldo Losada, con una amplia trayectoria en la escena teatral vasca y que en Wilt interpreta cuatro papeles, el de sargento de la policía y que sería lo que Watson a Sherlock Holmes en versión torpe. Gastón, el amigo francés y pareja de Elene (Los amigos franceses), el director de la escuela y el encargado. En todos y cada uno está genial, siendo con los dos primeros con los que más interviene. 

Aitziber Garmendia y Ana Milán
Nos queda Aitziber Garmendia, ella se encarga de dar vida a Elene, a una agente una profesora y una alumna. Aitziber se muestra camaleónica divertida, fresca el don del humor corre por sus venas, es de esas personas graciosas que digan lo que digan logran hacernos reír, pues la joven actriz vasca no solo tiene esté don sino que sabe explotarlo al máximo. Genial sin más en todas y cada una de sus apariciones en escena.



Sin duda si te gusta la comedia y quieres pasarlo bien debes de anotar esta obra en tu agenda y acercarte al Teatro Bellas Artes. 

entrada teatro bellas artes madrid

sábado, 24 de noviembre de 2012

Entrevista Idaira Fernandez, Showtime Burlesque.




Hoy tenemos el honor de acercaros un poquito a Idaira Fernández, que ha se ha prestado a realizar una entrevista en exclusiva para Butaca Par. La polifacética artista canaria no dejo de regalarnos su dulce sonrisa a lo largo de todo el cuestionario.

Idaira Fernández, se dio a conocer como la canaria de operación triunfo cuatro ella fue la ganadora que no gano. Su expulsión estuvo llena de polémica y acusaciones de tongo. Debemos recordar que no recibió el apoyo del jurado que cabía de esperar y su salida del programa, de fue de las más sino la más sonada en la historia del programa, ya que según se dice, tras un pucherazo en las votaciones se vio fuera de los tres finalistas que ganaban una carrera discográfica. Gesmusic, atribuyó esta situación a un colapso de las líneas, que provoco que los SMS para salvarla fueran devueltos con el mensaje de: "Pon el nombre del concursante", o bien "envío fallido" 
Por esto para nosotros Idaira no es una triunfito, es una triunfadora con todas las letras, pues logro sacar su disco por otros medios y desde entonces no ha parado. Eso sí, desde 2005 hasta hoy no ha dejado de luchar y muchas cosas han cambiado su vida profesional. 



Buenos días Idaira. Antes de nada, muchas gracias por concedernos esta entrevista estamos encantados de poder hablar contigo. 
Para saber un poco de tus gustos te lanzo unas preguntas rápidas. Contesta lo primero que te venga a la mente. 

Un lugar: cualquier sitio acompañada de la gente que quiero, mejor si es en la naturaleza.
Un momento del día: Al final del día, cuando me acurruco en el sofá para ver una peli. 
Una comida: Seitán en adobo. 
Una canción: Elephant Gun de Beirut. 
Un cantante: KT Tunstall. 
Un actor y una actriz de teatro: Eduard Fernández y Blanca Portillo 
Tú obra de teatro favorita: Me costaría mucho decantarme por una... 

¿Eres teatrera?, ¿Te gusta el teatro? 

Disfruto mucho del teatro, es algo tan directo que en algunos casos puede ser positivo y en otros no tanto pero la mayoría de las veces salgo contenta de las funciones que veo. Creo que tiene mucho encanto tanto verlo como hacerlo. 

Idaira, ¿Que queda de la chica que conocimos en televisión y que se gano a todo el público? 

Ya han pasado algunos años y aunque puede que haya cambiado, como es natural, siento que mi esencia es la misma. 

Tengo ilusión y la diferencia es que no es una versión desbordada sino con consciencia de cómo es el lo que me rodea y de lo que puedo llegar a hacer. Me siento más segura que entonces, me conozco mejor. 

Cuando salí del programa había perdido las ganas de cantar pero después de todo este tiempo lo estoy disfrutando tanto que no quiero parar de hacerlo (se ríe). Tengo las mismas o más ganas que cuando entré. Las cosas cambian y lo han hecho para bien, sin duda. 

En alguna ocasión has dicho que tu paso por OT fue el paso decisivo para dedicarte a la música, que hay un antes y después en tu vida y que lo marca el programa. ¿Te molesta que se te siga recordando siete años después por ello? 

¡Hay un antes y un después muy claro! estudiaba la carrera de biología y me gustaba lo que estaba haciendo pero cantar siempre me había tirado más, así que me presenté al casting y ya saben lo que ocurrió luego (vuelve a reír). 

Continué con la música y desde entonces vivo en Madrid. Lo he pensado muchas veces ¿qué estaría haciendo ahora si no hubiera entrado allí? cantando seguro, profesionalmente o no pero cantando y quizá con una consulta de nutrición.

No me molesta nada que me recuerden que estuve en operación triunfo porque gracias a eso me conocen y siento ese apoyo en cada cosa que hago. 

Una más y cambiamos de tema, ¿Tu paso por la academia lo consideras positivo para tu carrera o con la perspectiva del tiempo crees que no lo fue tanto? ¿Volverías a entrar? Si lo prefieres te imagino cantando "Nada bueno en mi" y me doy por contestado. 

(Le da la risa) "nada bueno en mí" habla de una etapa en la que no me encontraba bien pero en la que decidí que eso no podía seguir, saqué fuerzas y valió la pena. 


¿Volvería a entrar? si, pero con todo lo que sé ahora me iría mejor porque no permitiría que me hicieran dudar de mí misma, por lo menos no tanto. Tiene sus más y sus menos, depende mucho de la persona, de que lo sepa llevar aunque ya se sabe que hay algunos factores más que uno mismo. 

También es verdad que ahora la moda de machacar a los concursantes se ha pasado un poco pero pudimos ver cómo llegó a su punto álgido no hace mucho tiempo. Es televisión, es parte del espectáculo pero no es positivo para el artista ni para el público ese tipo de trato porque no transmite nada bueno. 

Hablemos ahora de teatro y de Showtime burlesque el music-hall en el que estás ahora. Primero fue el "El Jorobado de Notre Dame" haciendo el papel de "Esmeralda" luego en "El Mago de Oz" como "Dorothy", “Los Rockids”… y desde Septiembre estas con Showtime Burlesque, muy distinto. Lleno de sensualidad, comedia vodevil… ¿Te costó mucho adaptarte? 

Aunque era muy distinto a todo lo que había hecho, siempre me había llamado la atención este estilo. Cuando me lo propusieron quedé encantada y ahora más que lo estoy disfrutando. 
Ha habido muchos ensayos y como me gusta no cuesta tanto aunque lleve su trabajo, claro. Lo importante es estar siempre renovándose y cogiendo de aquí y allá para cada vez irlo perfilando mejor, además eso también es divertido.

¿Qué tal es trabajar con Ender Bonilla?, ¿Es muy exigente? 

Ender es muy buen bailarín y nos transmite su energía en cada función y ensayo y eso hace que sea más fácil mantener la ilusión en cada momento. Está en cada detalle pero no sentimos una exigencia porque todos queremos que el espectáculo vaya perfectamente y hacemos lo posible porque así sea. 

Pudimos ver que cada uno de los miembros del elenco tenéis un gran talento, pero ¿a quién destacarías?, ¿con quién te quedas? 

Eso de con quién te quedarías es del estilo "a quién quiere más ¿a papá o a mamá?" (risas)... bueno mojándome un poco lo más que me impresiona es el número de acrobacias que hace Yoli y Richard, me duele la espalda sólo de pensarlo. 

Admiro a todos mis compañeros y además les he cogido mucho cariño (muuuaks para todos) 


La verdad que ese número que haces referencia nos dejo a todos con la boca abierta, están geniales. Hablando de números, son muchos los que se representan a lo largo de Showtime Burlesque, ¿Cuál es tu favorito? 

Con el que mejor me lo paso es con Be Italian pero es que también me gustan muchos otros........ ¡Tienen que venir!

Habéis prorrogado dos veces desde Septiembre y la obra estará hasta finales de Noviembre el Arlequín. En los tiempos que corren y con la subida al 21% el IVA tiene mucho más merito. Como actriz y cantante, ¿Te preocupa esta situación? 

Estamos muy contentos, la gente necesita desconectar y vienen al teatro a pasárselo bien. 
Sí que me preocupa, es algo que inevitablemente está ahí pero yo por mi parte intento no parar, siempre estar activa para que todo siga rodando. 

¿Qué ha aprendido Idaira con su participación en este espectáculo? 

A bailar más tranquila en un escenario, ya lo había hecho con Showtime El Musical y en otras ocasiones pero al hacerlo tan a menudo me está dando más seguridad. 


Estuvisteis en Granada y Valladolid, quedan dos funciones en Madrid de Showtime Burlesque, después llegará Pinto el 28 de Diciembre y Sevilla el 5 de Abril, ¿Qué vas a hacer mientras? y ¿Qué será lo próximo para Idaira? (después de Showtime Burlesque) 

Estoy en un espectáculo de rock "Los Rockids" en otro teatro, también estoy preparando un nuevo repertorio para hacer acústicos por Madrid en el que estarán incluidas las canciones de mi EP "No..." y pensando ya en otros proyectos en los que sumergirme. 

Muchas gracias de nuevo Idaira, por atendernos y por no perder la sonrisa a lo largo de la entrevista. 
Que sepas que desde hoy quedas nombrada butaquera de honor. 

Gracias a ustedes por esta entrevista tan agradable y ese nombramiento. 

viernes, 23 de noviembre de 2012

Shirley Valentine


Interprete: Verónica Forqué.
Dramaturgia: Willy Russell.
Dirección: Manuel Iborra.
Producción: Carlos Lorenzo.
Adaptación: Nacho Artime.
Escenografía: Andrea D’Odorico.
Iluminación: Felipe Ramos.
Estilismo: Juan Ortega.
Fotografía: Luis Malibrán.
Marketing y ventas: Iñaki Sarriugarte. Gretahelps
  
Manuela Malasaña, 6
Metro: Bilbao.



Sinopsis:

Shirley Valentine vive en Liverpool, es a primera vista una mujer de las tantas amas de casa entregadas a casa y su familia, una de esas tantas mujeres, que  han dado su vida por los suyos y que podemos encontrar en millones de hogares de mundo.

A través de sus conversaciones con la pared, su mejor amiga, iremos conociendo en que se ha convertido su vida. Una vida llena de soledad tras haber criado a sus dos hijos y encontrarse en medio de un matrimonio fracasado. Ella se caso por amor, pero su marido como tantos otros "cambio" y resulto ser autoritario, machista, maniático y egoísta. Con idénticas dosis de humor y razón iremos viendo cómo ha ido dejando escapar el amor y la vida.
En este punto aparece la oportunidad de irse a Grecia de vacaciones con una nueva amiga que tiene y que se ha divorciado recientemente. Es entonces cuando Shirley se replantea su vida. Finalmente se va sin avisar y estas vacaciones cambian totalmente sus puntos de vista sobre la vida, el amor, la convivencia y ella misma. Intentará saber qué fue de aquella Shirley soltera y si la puede recuperar…

  
Crítica:

No eran aun las ocho, estábamos expectantes por cómo nos sorprendería la adaptación de Nacho Artime de la obra de Willy Russell que fue llevada al cine por Lewis Gilbert en 1989. La sala se va llenando y entre los asistentes, vemos que muy cerca de nosotros están Ana Belén y María Barranco no eran los únicos personajes del mundo del espectáculo que había en las butacas del Teatro Maravillas, pero de ellas fuimos testigos de cuanto disfrutaron pues no pararon de reír ostensiblemente.

Shirley Valentine se estreno hace 25 años y aunque son muchos los logros que las mujeres han logrado durante estos años, está historia sigue lamentablemente siendo igual de fresca y actual.
Todos conocemos por lo menos a una Shirley en nuestro círculo más cercano. No tendríamos que rebuscar mucho para encontrar alguna. 

Tras la independencia de sus hijos, a los que se ha dedicado en cuerpo y alma para que no les falte de nada, solo queda una mujer, una cocina y una vida perdida en la dedicación a las labores del hogar,  en la satisfacción a los hijos, en complacer a su marido, ese hombre que habita en la misma casa y que con el tiempo se ha convertido en un extraño con el que tan solo quedan recuerdos en común. ¿Os suena la historia?, quizás sí, pues es la historia de millones de mujeres, el mundo está lleno “Shirleys” y esté es un homenaje a todas ellas, un homenaje y una luz de esperanza, pues el personaje interpretado magistralmente por Verónica Forqué abre una puerta a la esperanza, una luz que muestra el camino a seguir, una demostración de que nunca es tarde por muchas huellas que nos haya dejado la vida para recuperar el rumbo y volver a ser feliz.

Verónica Forqué parece haber nacido para esté papel, se enfrenta durante casi dos horas al público, lo hace sola y en ella nos va presentando a los diferentes personajes que forman parte de su vida. Lo hace mientras prepara la cena a su marido unos huevos con patatas que cocina sobre el escenario y que olían divinamente, a esas horas mi estomago me dijo que si Joe no se los va a comer el haría buena cuenta de ellos, pues tenían una pinta estupenda. Y es qué el teatro es magia se palpa, se siente y en esta obra también se huele y su aroma es a cena recién hecha. 
Dentro del cuidado decorado, Verónica Forqué despliega sus mejores armas interpretativas. Llena de fuerza, nos cautivó desde el primer minuto. Giros de voz, miradas al vacío, iluminadas con el eterno brillo de sus ojos, la inocencia característica que siempre mantendrá en su sonrisa, su naturalidad y el enorme talento que atesora, la permiten guardar en todo momento el equilibrio entre el humor y los sentimientos. Todos estos ingredientes son empleados para que el resultado final sea exquisito. Además las reflexiones de Shirley están cargadas de una agridulce verdad y logran una compenetración con el público de las que pocas obras pueden presumir. 

En definitiva, desde ayer Shirley Valentine se ha convertido para nosotros en una obra imprescindible, una recomendación segura, para los amantes del buen teatro.




martes, 20 de noviembre de 2012

Entrevista a Teresa Rivera, La Sole.


cartel de la sole teresa rivera dt espacio escenico
Desde pasado 15 de Diciembre, en la calle de la Reina número 9 os encontraréis si vais a DT espacio escénico con La Sole (Teresa Rivera). 
Nosotros ya os contamos el estreno de esta obra (Crítica de La Sole), ahora os traemos a su protagonista que ha tenido la amabilidad de contestarnos a unas preguntas. Os dejamos con lo que nos contó:

Teresa, ¿Cómo iniciasteis esta andadura teatral? ¿Y de qué manera se fusionan La Cabra Compañía y Maltrago Teatro, es decir, en qué momento una andaluza y una argentina se unen para crear La Sole?

Conocí a Valeria en el año 2009. Ella hacía un casting para retomar "BOYFRIEND" espectáculo de danza-teatro que se estrenaba en la Sala Triángulo y me presenté al casting. Salí elegida y empezamos a trabajar. Es un aprendizaje trabajar con Valeria a la vez que un placer. Tiene una manera de trabajar , un lenguaje, con el que conecto sin ningún problema.


Necesitaba confiar plenamente en el director-directora de LA SOLE y ella era la persona perfecta. Le propuse hablar de mi soledad, hacerle un homenaje a la soledad y aceptó encantada.

Los ensayos de LA SOLE fueron una fiesta. 

Vimos en el blog que habéis creado especialmente para el personaje una serie de palabras para definir a La Sole, pero ¿con cuál se quedaría La Sole y con cuál se quedaría Teresa Rivera?

La Sole se quedaría con Soledad y Teresa Rivera con Transformación.

¿Qué aporta La Sole a Teresa Rivera?

Alegría, paciencia, confianza, aprendizaje, y sobre todo mucha ilusión.

Desde el otro lado, ¿Quién es La Sole para ti, visto como espectadora de su vida?

Para mí es alguien que quiere ser feliz.

¿Crees que es una persona que te podrías encontrar en la calle y con la q todo el mundo se ha sentido identificado alguna vez?

Sí, de hecho es lo que pasa cuando la gente viene a ver la obra. Casi siempre hay algún momento con el que se sienten identificados. Como se dice en la obra: "La Sole tiene tantas caras como gente hay en el mundo". 

Vemos que has trabajado en teatro y en danza, ¿qué es lo que más te gusta de las dos?

A mí lo que me gusta es estar en un escenario y comunicar. Tener la necesidad de comunicar algo a alguien.
Para mí el teatro es danza y al revés así que lo que me gusta es la fusión de diferentes disciplinas.


¿Al principio tenías miedo de enfrentarte sola ante un público, que ya sea en salas grandes o pequeñas, impone tanto?

Lo que tenía y sigo teniendo es una responsabilidad mayor que cuando compartes escenario.
No sabía si iba a ser capaz de estar 1 hora en escena y disfrutarlo y vivirlo, también era parte de la experiencia de LA SOLE , el investigar eso y parece que sí, que soy capaz y cada vez lo disfruto más. 


Teniendo en cuenta que en Dt trabajas en dos espacios muy distintos, ¿en qué sala has disfrutado más haciendo el espectáculo?



Aquí, donde estoy. En Dt LA SOLE está como en casa. El tener los dos espacios en uno me da una posibilidad de juego mayor que en otros espacios.
Aunque disfrutar, lo que se dice disfrutar, en todos.

Vemos que os habéis movido mucho por las redes sociales para llegar al público, ¿está funcionando estos métodos para atraer? ¿Merece la pena todo el tiempo y dedicación que conlleva?

Pues si quieres hablamos cuando termine la temporada.
Pienso que sí, que es una buena herramienta para la difusión y promoción. La gente ve los videos y todo el material que voy colgando y les resulta atractivo. Y claro que merece la pena, todo trabajo y esfuerzo merece la pena.

Después de DT, ¿Tenéis pensado llevar el espectáculo a más rincones del país o incluso fuera de nuestras fronteras?

Yo llevaría a LA SOLE a todos lados, pero concretamente la llevaré a Valencia, el 15 y 16 de diciembre a una tienda de ropa, ya diré la información porque lo de tener un escaparate para mí me tiene loca.

Y para el año que viene estamos pensando en la posibilidad de llevarla a Buenos Aires así que ya te iré contando.

¿Qué quieres decir a nuestros lectores para que vaya a ver vuestra obra?

Con La Sole se van a reir, van a emocionarse, pasaran un poquito de miedo, recordarán a su familia, el lugar de sus vacaciones cuando eran niños,comerán pipas... Y disfrutarán de un teatro muy íntimo en el que cada uno se reencontrará con su soledad y la sacará a pasear.

No podemos acabar la entrevista sin que nos aclares una duda, ¿Cuándo duermes te quitas las gafas y la bata de cola o duermes con ellas? 

Yo como Marylin....pero con bata.

Gracias Teresa, gracias Sole.